JUDUL: 10 Pelajaran dari Desainer Sampul Buku Veteran
Dengan ratusan ribu buku yang diterbitkan (dan diterbitkan sendiri) setiap tahun, mungkin sulit untuk diperhatikan; sampul yang bagus sering kali bisa berarti perbedaan antara obral dan perjalanan ke tempat tawar-menawar. Desainer sampul buku harus memilih dari berbagai teknik — ilustrasi, kolase, tipografi, fotografi — untuk menemukan cara memastikan Anda melihat lebih dekat.
Gregg Kulick , David Pearson , dan John Gall ahli dalam hal ini. Sebagai beberapa desainer sampul yang paling dicari di industri, karya mereka dapat dilihat pada judul yang diterbitkan oleh perusahaan mulai dari Penguin hingga Vintage, dan untuk penulis termasuk Cormac McCarthy, John Le Carre, Jennifer Egan, dan Haruki Murakami. Kami berbicara dengan mereka tentang seni desain buku yang bagus, dan bagaimana fotografi, tipografi, dan kolase bersatu untuk menciptakan seni sampul yang menarik. Baca terus untuk 10 takeaways utama.
1. Sampul Buku Harus Seni dan Perdagangan
“Dari sudut pandang desain grafis, untuk benar-benar sukses, sebuah buku harus sukses secara komersial dan indah,” kata Kulick, direktur seni di Quirk Books . Dia dan Pearson, seorang desainer dan direktur seni pemenang penghargaan di White's Books , keduanya menekankan bahwa, meskipun sampul memiliki kewajiban untuk menyajikan desain yang menarik, itu harus dilakukan, dan menjadi, lebih dari itu. Kulick mencatat bahwa sebuah desain “tidak bisa hanya menjadi sampul cantik yang tidak berusaha membantu menjual buku.”
2. Buku Selalu Diutamakan
Di awal karirnya, Kulick mengaku sering melakukan kesalahan dengan menempatkan minat desainnya di atas kebutuhan buku itu sendiri. Sekarang dia menekankan bahwa buku selalu harus didahulukan. Menurut Kulick, desainer harus “membiarkan buku menentukan apa desainnya.” Pearson menggemakan sentimen itu, menyatakan bahwa selama sampul "mendukung dan mewakili buku dalam semacam bentuk grafik visual langsung, maka hanya itu yang benar-benar perlu dilakukan."
2. Penutup Besar Harus Mendorong Batas Industri
Gall, seorang dokter hewan industri dan direktur seni 20+ tahun di Knopf mencetak Anchor and Vintage , memiliki ide lain tentang apa yang harus dilakukan oleh sampul buku yang hebat, mengakui bahwa apa yang dia yakini untuk membuat sampul yang hebat seringkali berbeda dari apa yang diinginkan editor atau penerbit. Gall berhati-hati dalam mendesain untuk menjual, karena dapat menyebabkan tren berulang — seperti variasi pada sampul yang sama berulang kali. (Contoh yang banyak dipublikasikan adalah penggunaan sampul bergaya Twilight pada karya klasik seperti Wuthering Heights dan Pride and Prejudice .) Bagi Gall, sampul yang bagus bukan hanya sesuatu yang “mewakili sebuah buku, tetapi juga meningkatkan bentuk seni. Ini mendorong batas-batas apa yang dapat dilakukan oleh desain sampul buku, atau apa yang dapat dilakukan.”
4. Menggunakan Fotografi? Ketahui Apa yang Anda Inginkan Terlebih Dahulu
Kulick menekankan bahwa ketika Anda akan menggunakan satu gambar untuk sampul buku, “Anda tidak bisa masuk tanpa ide. Anda harus mendefinisikan sendiri apa yang Anda coba cari.” Dia mencatat bahwa praktik ini sangat penting untuk sampul yang membutuhkan pemotretan asli, seperti yang dia lakukan dengan Mike Tyson dan Penn Jillette. Kulick menunjukkan bahwa anggaran penerbit tidak terlalu besar, sehingga desainer jarang memiliki kemewahan bereksperimen. Untuk mendapatkan tampilan yang diinginkannya dengan sumber daya yang terbatas, Kulick bertanya pada dirinya sendiri sebagai berikut: “Buku apa ini? Apa inti dari isi buku ini? Dan kemudian Anda mencoba menemukannya dalam sebuah foto.”
5. Biarkan Foto Yang Bekerja
Dibandingkan dengan sampul buku yang lebih rumit di mana desainer dapat bermain lebih banyak, hanya menggunakan satu gambar menghadirkan tantangan yang unik. Mungkin tergoda untuk ingin berbuat lebih banyak, tetapi itu bisa menghasilkan sampul yang berantakan dan kurang efektif. Kulick mengatakan bahwa ketika menggunakan satu gambar, dia belajar bahwa, “dibutuhkan sedikit lebih banyak pengekangan dalam desain untuk membuatnya bekerja. Anda hanya perlu menarik sedikit ke belakang dan membiarkan foto itu bekerja.”
6. Tipografi Dapat Menciptakan Hubungan yang Kuat
Pearson suka membuat gambar melalui tipografi — begitu banyak sehingga dia menamai perusahaannya Type as Image. Dia mencatat bahwa teknik ini memiliki kemampuan yang kuat untuk menciptakan apa yang dia sebut "kantong untuk kesalahpahaman" yang dapat membuat jarak antara buku dan pembaca. Dia tahu bahwa ini terdengar seolah-olah dia mendorong Anda untuk dengan sengaja menyesatkan audiens Anda — tetapi dia yakin itu justru sebaliknya.
“Anda tidak merampas kemampuan mereka untuk membuat citra mereka sendiri, dan Anda mengundang mereka untuk memecahkan kode representasi abstrak ini dan menautkannya ke teks.” Membentuk hubungan itu dengan pembaca, bagi Pearson, adalah hal terbesar yang dapat dicapai oleh sampul buku.
7. Jangan Takut Tipografi
Pearson telah menemukan bahwa banyak desainer muda waspada terhadap tipografi karena “mereka telah diberitahu oleh beberapa tutor bahwa Anda adalah desainer yang buruk jika Anda menggunakan lebih dari satu jenis huruf. Itu hanya omong kosong.” Pearson percaya bahwa tipografi harus dimainkan, diregangkan, dipatahkan, dan disatukan kembali - "bajingan," katanya sambil tertawa.
Itu tidak berarti Anda tidak boleh tahu aturan tipografi — hanya saja, jangan terikat olehnya (permainan kata-kata). “Ini semua tentang semangat dan gaya yang Anda gunakan dengan tipografi,” kata Pearson. “Ini tentang suara yang Anda berikan. Itu benar-benar hanya bentuk ekspresi lain. ”
8. Temukan Kebebasan Kreatif dalam Keterbatasan
Pearson mengakui - hampir malu - bahwa dia sering menggunakan tipografi untuk pencitraan karena dia tidak nyaman dengan teknik desain lainnya. Tapi dia tidak melihat itu sebagai batasan. Bahkan, dia merasa itu membebaskan. Dalam menjelaskan alasannya, ia menawarkan saran yang bagus untuk semua desainer: “Jika Anda tahu apa palet Anda, Anda dapat membatalkan ribuan keputusan potensial yang berbeda. Itu benar-benar memfokuskan pikiran.” Dia juga mengatakannya dengan cara lain: “Saya pikir yang paling penting adalah membatasi pilihan Anda. Anda bisa merasa sangat kreatif di luar titik itu.”
9. Jadikan Gambar Lama Baru Lagi
Dari foto arsip hingga kartu bisbol Jepang lama, karya John Gall sering kali memberikan konteks baru pada gambar lama. “Jika Anda mengambil hal-hal historis dan memperlakukannya secara lebih simbolis dan metaforis, Anda dapat mengeluarkannya dari konteks historisnya,” jelasnya. Dengan melakukan itu, desainer dapat membuat sampul yang mengejutkan dan menarik yang beresonansi dengan audiens, sambil tetap berkomunikasi tentang buku itu sendiri.
10. Kunci Kolase Adalah Penjajaran
Pearson menyukai kolase , baik dalam pekerjaannya maupun di luar kantor. Dia percaya bahwa kunci untuk merancang secara efektif dengan itu terletak pada pentingnya penjajaran. Itu didorong oleh "mengambil dua hal yang tidak memiliki kesamaan dan menemukan kesamaan itu." Tetapi membuat kolase bukan hanya tentang menyatukan dua hal secara serampangan. Pearson menekankan bahwa desainer harus bertanya pada diri sendiri pertanyaan seperti, “Apa yang bisa Anda katakan dengan menunjukkan sedikit? Atau terlalu banyak? Betapa menggelegarnya hal-hal ini ketika mereka bersebelahan? ” Menemukan keseimbangan yang tepat dapat menghasilkan desain yang hebat — dan sampul buku yang bagus.
Posting Komentar